Resumen y comentario de parte I de Noel Carroll: Art and Representation, en Philosophy of Art
La visión de Platón sobre la representación en el arte
Platón consideraba que la esencia del drama es la imitación, es decir, la simulación de apariencias. Esto significa que los actores en una obra de teatro imitan las acciones de las personas que representan, como en el caso de la obra "Medea", donde los actores imitan tener discusiones. Platón creía que esta imitación era problemática porque apela a las emociones del público, lo que puede ser socialmente peligroso. En su opinión, una ciudadanía emocional es inestable y propensa a ser manipulada por demagogos en lugar de tomar decisiones basadas en la razón. Por lo tanto, Platón argumentaba que los poetas dramáticos deberían ser excluidos de su estado ideal.
La crítica de Aristóteles a Platón
Aristóteles, discípulo de Platón, no estuvo de acuerdo con su maestro en cuanto a la exclusión de los poetas dramáticos del estado ideal. Aunque Aristóteles reconoció que el drama provoca una respuesta emocional en el público, creía que esta respuesta no era el único propósito del drama. Argumentó que la tragedia, en particular, evoca sentimientos de lástima y miedo en los espectadores, pero con el fin de purgar las emociones, es decir, de liberarlas de manera saludable.
Además, Aristóteles creía que el drama podía enseñar al público sobre la vida humana y los eventos que ocurren en ella, lo que contradecía la idea de Platón de que el drama no tenía valor intelectual.
La defensa de Aristóteles del valor del drama
Aristóteles defendió el valor del drama argumentando que, a través de la imitación, el público puede aprender sobre la vida humana y los eventos que ocurren en ella. Creía que el drama podía enseñar al público sobre cómo los eventos humanos pueden desenrollarse cuando se ponen en marcha ciertas fuerzas, como en el caso de la tragedia de Medea. De esta manera, Aristóteles argumentó implícitamente que el drama tiene un valor positivo y que no debería ser excluido del estado ideal, como propuso Platón. En lugar de eso, Aristóteles creía que el drama podía ser una fuente de placer y conocimiento para el público.
La naturaleza de la poesía dramática según Platón y Aristóteles
Aunque Platón y Aristóteles difieren en su opinión sobre los efectos de la poesía dramática, coinciden en su naturaleza. Ambos consideran que la poesía implica esencialmente la imitación de la acción. La poesía dramática representa los asuntos humanos mediante la simulación de eventos humanos en el escenario.
La imitación en la pintura: verosimilitud
Tanto Platón como Aristóteles también consideran que la pintura es esencialmente una cuestión de imitación, es decir, de verosimilitud. La pintura intenta reproducir las apariencias de las cosas, copiándolas. Esta visión de la pintura se refleja en la cultura griega, donde se elogia al pintor Zeuxis por sus imágenes tan realistas que los pájaros intentaban comer las uvas que había pintado.
La música y la danza como artes imitativas
Platón y Aristóteles consideran que la música y la danza son artes imitativas o representacionales, al igual que la poesía dramática y la pintura. Las consideran como acompañamientos de los espectáculos dramáticos o religiosos, o de las recitaciones poéticas, y no como artes independientes. Su propósito es servir a los fines imitativos del drama, es decir, representar la realidad de manera verosímil.
La concepción griega del arte
Los griegos tenían una concepción más amplia del arte que la que tenemos hoy en día. Para ellos, un arte era cualquier práctica que requería habilidad, incluyendo la medicina y la soldadura. Sin embargo, cuando hablaban de lo que nosotros llamamos artes, como la poesía, el drama, la pintura, la escultura, la danza y la música, Platón y Aristóteles creían que compartían una característica común: la imitación.
I. Teoría Mimética del arte
La teoría del arte como imitación, que se encuentra en los escritos de Platón y Aristóteles, puede ser formulada de la siguiente manera: algo es una obra de arte solo si es una imitación. Esto significa que la imitación es una condición necesaria para que algo sea considerado una obra de arte. Si algo no imita nada, no es una obra de arte.
La crítica moderna a la teoría del arte como imitación
Sin embargo, esta teoría parece obsoleta en la actualidad, especialmente después del surgimiento de la pintura abstracta. Obras de artistas como Mark Rothko y Yves Klein, que consisten en campos de color puros y no imitan nada, son consideradas obras maestras del arte del siglo XX. Esto sugiere que la teoría del arte como imitación no es una teoría general válida, ya que no abarca todo lo que sabemos que es arte.
La concepción griega del arte
Los griegos tenían una concepción más amplia del arte que la que tenemos hoy en día. Para ellos, un arte era cualquier práctica que requería habilidad, incluyendo la medicina y la soldadura. Sin embargo, cuando hablaban de lo que nosotros llamamos artes, como la poesía, el drama, la pintura, la escultura, la danza y la música, Platón y Aristóteles creían que compartían una característica común: la imitación.
La teoría del arte como imitación
La teoría del arte como imitación, que se encuentra en los escritos de Platón y Aristóteles, puede ser formulada de la siguiente manera: algo es una obra de arte solo si es una imitación. Esto significa que la imitación es una condición necesaria para que algo sea considerado una obra de arte. Si algo no imita nada, no es una obra de arte.
1.1. Críticas a teoría mimética
La crítica moderna a la teoría del arte como imitación
Sin embargo, esta teoría parece obsoleta en la actualidad, especialmente después del surgimiento de la pintura abstracta. Obras de artistas como Mark Rothko y Yves Klein, que consisten en campos de color puros y no imitan nada, son consideradas obras maestras del arte del siglo XX. Esto sugiere que la teoría del arte como imitación no es una teoría general válida, ya que no abarca todo lo que sabemos que es arte.
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Yves Klein: L'accord bleu (RE 10), 1960.
ii) La teoría del arte como imitación es demasiado exclusiva
La teoría del arte asociada con Platón y Aristóteles es demasiado exclusiva y no abarca todo lo que consideramos arte. En la actualidad, podemos encontrar muchos ejemplos de arte que no imitan nada, como la pintura abstracta.
iii) La teoría tenía sentido en su contexto
Sin embargo, en el contexto de la Grecia antigua, la teoría de Platón y Aristóteles tenía sentido. La mayoría de las obras de arte de su época eran imitativas, como las representaciones teatrales de mitos y leyendas. Por lo tanto, la teoría estaba motivada por lo que estaba disponible en su tiempo.
Respuesta: La teoría tuvo inicialmente plausibilidad
La teoría de Platón y Aristóteles tuvo inicialmente plausibilidad y coincidió con los ejemplos dominantes del arte griego. También informó a los lectores sobre qué buscar y apreciar en el arte de sus contemporáneos, es decir, su verosimilitud.
La teoría se repitió en la tradición occidental: siglo XVIII
Debido a su éxito inicial, la teoría se repitió en la tradición occidental durante siglos. En el siglo XVIII, la teoría se volvió especialmente importante cuando los teóricos comenzaron a codificar nuestro sistema moderno de bellas artes.
Sistema de bellas artes
Un sistema de bellas artes se refiere a una forma de agrupar ciertas prácticas, como la pintura y la poesía, en una categoría distinta de otras prácticas, como la astronomía y la química. Antes del siglo XVIII, las prácticas se agrupaban de diferentes maneras, pero en ese siglo se estableció una forma canónica de agruparlas.
Las bellas artes con mayúscula
Las bellas artes, con mayúscula, incluyen prácticas como la pintura, la poesía, la danza, la música, el drama y la escultura. Estas prácticas se consideran las "artes" por excelencia y se esperan encontrar en programas de arte y centros de arte.
El libro de Charles Batteux: imitación de la naturaleza bella
El libro "The Fine Arts Reduced to a Single Principle" (Las bellas artes reducidas a un solo principio) de Charles Batteux, publicado en 1747, fue importante para establecer esta forma de agrupar las artes. Batteux argumentó que las bellas artes se definen por la imitación de la naturaleza bella, ya sea a través de colores, relieve, actitudes, sonidos o discurso medido.
La imitación como principio
Para Batteux, la imitación era el principio fundamental que unía a las bellas artes. Esta idea se basaba en la noción platónica-aristotélica de la imitación, que definía el arte en términos de la reproducción de la realidad. Esta presuposición se mantuvo ampliamente en el siglo XVIII y influyó en la forma en que se entendía el arte.
La persistencia de la teoría de la imitación: música
La caracterización de las bellas artes como imitativas puede parecer extraña, pero en el siglo XVIII, los teóricos argumentaron que la música, por ejemplo, podía imitar sonidos de la naturaleza o la voz humana. La danza teatral también se volvió imitativa, siguiendo la filosofía aristotélica del drama, lo que llevó al desarrollo del ballet d'acción.
Ejemplos:
"Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi - Esta suite de conciertos es famosa por su capacidad de evocar diferentes escenas de la naturaleza a través de la música. Por ejemplo, "La primavera" imita los sonidos de la lluvia y el canto de los pájaros.
"El pájaro de fuego" de Stravinsky - Esta obra orquestal incluye secciones que imitan el canto de los pájaros y otros elementos de la naturaleza, reflejando la danza del ave mítica.
La influencia de la teoría de la imitación: siglo XIX
La teoría de la imitación persistió hasta el siglo XIX porque muchos ejemplos prominentes de arte, como la pintura, el drama y la escultura, eran imitativos. Además, había teorías que explicaban los contraejemplos, como la idea de que la música imita la voz humana.
El legado de la teoría de la imitación: siglo XX
La influencia de la teoría de la imitación todavía se puede ver en el siglo XX. Algunas personas siguen pensando que un cuadro abstracto no es arte porque no se parece a nada, o que una película no es arte porque no tiene una historia. Estas opiniones se consideran ignorantes, pero provienen de la teoría de la imitación, que tuvo credibilidad empírica hasta el siglo XIX.
El declive de la teoría de la imitación: críticas
Sin embargo, desde el siglo XIX, varios factores han debilitado la teoría de la imitación. Aunque no se mencionan explícitamente en este texto, es probable que se refieran a movimientos artísticos como el romanticismo, el impresionismo, el expresionismo y el modernismo, que cuestionaron la idea de que el arte debe ser imitativo.
Ejemplos:
"Impresión, sol naciente" de Claude Monet.
Descripción: Esta obra es emblemática del impresionismo, presentando una representación subjetiva de la luz y el color, en lugar de una imitación detallada y precisa del paisaje.Expresionismo:
Obra: "El grito" de Edvard Munch.
Descripción: Esta icónica pintura expresionista muestra la angustia y el miedo a través de formas distorsionadas y colores intensos, priorizando la expresión emocional sobre la representación fiel de la realidad.Modernismo:
Obra: "Las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso.
Descripción: Esta pintura marca un punto de inflexión en el arte moderno, rompiendo con las convenciones de la representación y desafiando la idea de la imitación a través de formas abstractas y perspectivas fragmentadas.
i) hay contraejemplos de arte del siglo XX: , minimalismo,
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX, el arte visual comenzó a alejarse de la imitación de la naturaleza. Los artistas como los expresionistas alemanes, los cubistas, los pintores de acción y los minimalistas distorsionaron o abandonaron la representación realista de la realidad.
Estos ejemplos de arte moderno refutan la teoría de la imitación como una conjetura filosófica general, ya que muestran que algo puede ser una obra de arte sin ser una imitación. Además, estos ejemplos nos invitan a reexaminar la tradición del arte visual y a cuestionar si la teoría de la imitación fue alguna vez precisa.
ii) No es precisa históricamente:
La teoría de la imitación nunca fue completamente precisa, ya que siempre hubo arte visual de diseño puro, y también música y danza no imititativa. , como alfombras, cerámica, textos iluminados y patrones de paredes islámicos. De igual manera, la música, el drama y la danza también tienen historias de no imitación, como la música sinfónica, los rituales y procesiones, y la danza postmoderna.
1. Arte visual de diseño puro:
Alfombras y tapices: Las alfombras persas y los tapices medievales no pretenden imitar la realidad, sino que utilizan patrones complejos y simetrías para lograr una estética de belleza abstracta. Sus diseños evocan ideas de cultura y espiritualidad más que intentar reflejar objetos o escenas reales.
- Cerámica: Las culturas como la japonesa y la prehispánica desarrollaron cerámica con patrones y formas geométricas que no representan ningún objeto específico, sino que exploran las propiedades del material y el espacio para crear piezas de arte funcional.
Arte islámico: Los patrones geométricos en mezquitas, como los de la Alhambra en España, son expresiones artísticas profundamenteespirituales, basadas en principios de repetición y simetría. Al no representar figuras humanas o naturales, estos patrones cumplen un propósito decorativo y espiritual, no imitativo.
2. Música:
Música sinfónica y abstracta: Las sinfonías de compositores como Beethoven o las composiciones atonales de Arnold Schoenberg no representan o imitan sonidos o paisajes naturales. En lugar de eso, buscan expresar emociones o ideas abstractas y complejas. La música no intenta imitar una realidad externa, sino crear una experiencia estética en sí misma.
Música electrónica: En la música electrónica, como las obras de Aphex Twin, los sonidos no están basados en imitaciones de la naturaleza o de la voz humana. Estos compositores usan el sonido como un material en bruto, explorando su potencial para producir ambientes y sensaciones abstractas.
3. Drama:
Rituales y procesiones: En muchas culturas, los rituales y procesiones tienen elementos performativos que no intentan representar o imitar eventos reales.
Teatro de absurdo: En obras como *Esperando a Godot* de Samuel Beckett, la trama y los personajes no siguen una estructura realista o imitativa, sino, podría argumentarse, que exploran el absurdo de la existencia y la incomunicación humana de un modo abstracto, alejado de la imitación de la realidad cotidiana.
4. Danza:
Danza contemporánea y postmoderna: Coreógrafos como Merce Cunningham o Pina Bausch exploraron movimientos abstractos y gestos en la danza que no buscan imitar acciones humanas reconocibles ni narrativas específicas. La danza postmoderna celebra el cuerpo en movimiento por su propio valor estético y físico.
Danza ritual: En muchas culturas, la danza forma parte de rituales y ceremonias, como en los bailes tradicionales de los nativos americanos o las danzas chamánicas de Siberia. Estas danzas no pretenden representar historias o personajes reales, sino crear una conexión espiritual y cultural a través del movimiento, sin intención imitativa.
Estos ejemplos demuestran que, aunque la teoría mimética ha sido influyente, no todos los estilos de arte visual, música, drama y danza siguen una lógica de imitación, sino que a menudo exploran formas de expresión independientes de la realidad tangible.
Por lo tanto, la
iii) teoría mimética es muy limitada
La teoría de la imitación es demasiado limitada para abarcar la diversidad del arte. La historia del arte muestra que siempre ha habido formas de arte que no imitan la realidad, y que la definición de arte debe ser más amplia para incluir estas formas.
Además,
iv) no caracteriza la música
La teoría de la imitación no se aplica bien a la literatura, especialmente cuando se consideran novelas y cuentos. Las palabras no imitan la apariencia de las cosas, por lo que la idea de imitación se vuelve forzada.
Teoría II: La representación como alternativa a la imitación
Para abordar este problema, los defensores de la teoría platónica-aristotélica pueden hablar de representación en lugar de imitación. La representación se refiere a algo que está destinado a representar algo más y es reconocido por la audiencia como tal. Sin embargo, la representación es un concepto más amplio que la imitación, ya que algo puede representar algo sin parecerse a ello.
Críticas a teoría de la representación
i) La teoría de la representación no es suficiente
Aunque la teoría de la representación es más amplia que la teoría de la imitación, todavía no puede abarcar todo el arte. Mucho arte no es representacional, por lo que la teoría de la representación sigue siendo insuficiente.
Es necesario desarrollar una teoría del arte que sea más amplia y pueda abarcar la diversidad del arte. La teoría de la representación es un paso en la dirección correcta, pero todavía no es suficiente. Se necesita una teoría que pueda explicar la variedad de formas y estilos artísticos que existen.
ii) La teoría de la representación no abarca todas las formas de arte
La teoría de la representación, que establece que una obra de arte representa algo si el creador lo intenta y la audiencia lo entiende, no abarca todo el arte. Muchas obras de arquitectura, por ejemplo, no representan algo, sino que son funcionales.
iii) Excluye muchas obras de arte (ejemplos?)
La teoría de la representación excluye demasiadas obras de arte de diferentes géneros, no solo de formas de arte que ya serían problemáticos, como la arquitectura o la música, sino géneros y obras de arte dentro de esas formas, como la pintura abstracta, algunos cortometrajes concretos, la fotografía, la danza y el teatro. Muchsa obras no pretenden representar nada, e intentan ser experiencias perceptuales concentradas.
Ejemplos:
Pintura Abstracta:
Piet Mondrian:, uno de los primeros pintores abstractos. Sus composiciones como Composición con rojo, amarillo, azul y negro no representan un objeto o escena reconocible, sino que exploran la relación entre líneas, colores y formas. Mondrian se aleja de la representación tradicional y se centra en crear una armonía visual pura (y antes de el Bart Van der Leck)
Mark Rothko: Sus grandes lienzos de color, como en la serie Color Fields, buscan evocar emociones a través de la interacción del color y el espacio. Las obras no representan objetos ni escenas, sino que se presentan como experiencias emocionales que invitan a una inmersión sensorial.
Música:
Ludwig van Beethoven: Aunque algunas de sus sinfonías, como la Sinfonía Pastoral, evocan escenas de la naturaleza, muchas obras de Beethoven y otros compositores no representan ninguna escena o narrativa específica. Su propósito es crear experiencias estéticas a través de la armonía, el ritmo y la estructura, como en su Sinfonía No. 7, cuya interpretación es más abstracta y no sugiere una referencia concreta.
Igor Stravinsky: Obras como La consagración de la primavera introducen estructuras rítmicas y melódicas experimentales sin representar algo en específico, creando una experiencia intensa y abstracta que desafía la representación tradicional.Cine Experimental:
- Stan Brakhage: En su cortometraje Mothlight, Brakhage crea una experiencia visual abstracta usando alas de insectos, hojas y otros materiales adheridos directamente a la película. La obra no representa una narrativa o un objeto reconocible, sino que ofrece una percepción visual única que desafía las expectativas de representación en el cine.
- Maya Dereen: En cortometrajes como Meshes of the Afternoon, Deren presenta una experiencia visual y onírica donde el enfoque es la percepción y la estructura, en lugar de la representación directa de la realidad. La obra sugiere sentimientos y estados mentales abstractos que no pueden ser fácilmente categorizados como representación de algo específico.
- Lo mismo con cortos de cieneastas más tradicionales, como Mrtin Scorcese, te dejo los links abajo.
Fotografía Minimalista y Abstracta:
- Wolfgang Tillmans: Su fotografía minimalista y abstracta, como en la serie Freischwimmer, explora la relación entre luz, forma y color. Estas fotografías no representan objetos o escenas específicos; son interpretaciones visuales que se centran en la textura y la percepción.
- Aaron Siskind: En su serie de fotografías abstractas de texturas, Siskind no busca representar un objeto o una escena específica, sino capturar patrones y detalles que solo se aprecian en términos abstractos. Las fotos se presentan más como composiciones estéticas que como representaciones de algo reconocible.
iv) necesidad de una teoría del arte más amplia
Es necesario desarrollar una teoría del arte que sea más amplia y pueda abarcar la variedad de formas y estilos artísticos que existen. La teoría de la representación es un paso en la dirección correcta, pero todavía no es suficiente. Se necesita una teoría que pueda explicar la esencia del arte de manera más completa.
III. La Teoría neorepresentacional del arte
La teoría neo-representacional del arte es una variación de la teoría representacional que parece menos susceptible a contraejemplos. Esta teoría sostiene que para ser una obra de arte, el candidato debe ser sobre algo (es decir, debe tener un tema sobre el que hace algún comentario).
La teoría neo-representacional establece que:
x es una obra de arte solo si x es sobre algo.
Esta teoría puede expandirse al ser más explícita sobre lo que implica ser "sobre algo".
x es una obra de arte sólo si x tiene un tema sobre el que hace algún comentario (sobre el que dice algo o expresa alguna observación).
Según la teoría neo-representacional, cualquier obra de arte posee necesariamente la propiedad de "sobre algo" (es decir, tiene contenido semántico). Por ejemplo, "King Lear" tiene un tema, el gobierno, sobre el que dice algo: "una casa dividida no se mantendrá". De igual manera, "Guernica" de Picasso es sobre algo, el bombardeo aéreo, sobre el que expresa horror.
La atracción de la teoría neo-representacional
La teoría neo-representacional es atractiva porque puede manejar casos difíciles de arte moderno, como el readymade.
Por ejemplo, las obras de Marcel Duchamp, como "Fountain" (un urinario ordinario) y "In Advance of a Broken Arm" (una pala de nieve), pueden ser consideradas obras de arte porque son sobre algo, aunque no sean representaciones en el sentido tradicional.
Los readymades de Duchamp, como "Fountain" y "In Advance of a Broken Arm", son obras de arte que son indistinguibles de objetos ordinarios. Sin embargo, los tratamos de manera diferente. ¿Por qué?
La hipótesis neo-representacionalista
La teoría neo-representacionalista sugiere que los readymades de Duchamp poseen "aboutness" (es decir, tienen un tema sobre el que dicen algo), mientras que los objetos ordinarios no. Esta hipótesis ofrece la mejor explicación de por qué hacemos una distinción categórica entre los readymades y los objetos ordinarios.
El significado de "aboutness"
"Aboutness" se refiere a que los readymades tienen un tema sobre el que dicen algo. Por ejemplo, "Fountain" y "In Advance of a Broken Arm" pueden ser vistos como obras que hablan sobre la naturaleza del arte, sugiriendo que las obras de arte no necesitan ser creadas literalmente por el artista.
Los readymades de Duchamp, como "Fountain" y "In Advance of a Broken Arm", son obras de arte que requieren interpretación (si quieren por mera estipulación del artista), mientras que los objetos ordinarios, como urinales y palas de nieve, no tienen significado ni contenido semántico.
La esencia del arte
La teoría neo-representacionalista sugiere que la esencia del arte no es el trabajo manual o la habilidad del artista, sino la capacidad de decir algo sobre algo.
Esto sugiere, que para criticar esta teoría, deberíamos criticar la idea de que una obra de arte siempre debe hablar de algo. En otras palabras, ¿es la propiedad de tener contenido semántico generalizable a todas las obras de arte? El neo representacionalista diría que sí.
El neo-representacionalismo es superior a la teoría representacional del arte, ya que es una teoría más amplia. La propiedad de "aboutness" (ser sobre algo) es más comprehensiva que la propiedad de "standing for" (representar algo).
El argumento a favor del neo-representacionalismo
De modo más esquematizado, el argumento del neorepresentacionalista sostiene que:
Todas las obras de arte requieren interpretaciones.
Si algo requiere una interpretación, entonces debe ser sobre algo.
Por lo tanto, todas las obras de arte son sobre algo.
El argumento del neorepresentacionalismo es lógicamente válido, pero eso no significa que su conclusión sea verdadera. La conclusión sólo es garantizada si los premisas del argumento son verdaderas.
La disputa del primer premisa
Algunos artistas contemporáneos cuestionan el primer premisa, ya que aspiran a crear obras de arte que desafían la interpretación o que sean completamente carentes de significado. Esto podría ser visto como una forma de "deconstruir" la distinción entre obras de arte y cosas reales.
Ejemplos:
Kazimir Malevich – Cuadrado Negro (1915)
Malevich buscó una expresión puramente abstracta en su obra Cuadrado Negro, que él mismo describía como una especie de “grado cero de la pintura”. Al menos en alguna interpretación, esta obra intenta eliminar cualquier significado figurativo o narrativo y centrarse en lo absoluto, en lo no-representativo. Para Malevich, el Cuadrado Negro era un símbolo de la desconexión con cualquier referencia externa y una ruptura con la tradición representacionalista.
Barnett Newman – Vir Heroicus Sublimis (1950-1951)
En este cuadro de gran escala, Newman crea una experiencia visual y emocional sin buscar representar algo específico. Su intención era transmitir lo sublime mediante el color y la forma, con bandas de color que simplemente están ahí para ser vistas, no para interpretarse en función de algo externo. Newman defendía que el arte pudiera ser una experiencia inmediata y directa, sin interpretación o contenido específico.
John Cage – 4'33" (1952)
El compositor americano, Esta pieza de "música silenciosa" de Cage consiste en que el intérprete permanece en silencio durante 4 minutos y 33 segundos. No es música en el sentido tradicional ni representa algo concreto; más bien, sugiere una experiencia donde el espectador/oyente percibe el silencio y el entorno sin asignarles un significado específico. Cage desafiaba la idea de que todo arte debía ser sobre algo, abriendo el espacio para una experiencia perceptual pura. (sonido grave, lo que percibe el sistema nervioso; trató de subir al escenario el silencio, donde el público está preparado para apreciar algo con actitud estética: no hay silencio, solo hay silencio de la vida diaria, y esos sonidos son artísticos, que puedes apreciarlos con actitud artística)
Robert Rauschenberg – Erased de Kooning Drawing (1953)
Rauschenberg tomó una obra del reconocido pintor Willem de Kooning y la borró casi en su totalidad, creando una pieza que está, de cierta manera, vacía de interpretación. La obra se presenta como el rastro de un proceso destructivo más que como un contenido concreto o un mensaje. Roshcenberg se presentó en el estudio de de Kooning y le pidió que le diera una obra que pudiera borrar. Su idea no era burlarse del arte de deKooning, sino empujar el arte a sus límites.
Al borrar el dibujo de otro artista, Rauschenberg desafía la premisa de que toda obra de arte tiene que ser sobre algo, dejando al espectador con una experiencia de ausencia.
Además están las pinturas blancas de Roshcenberg, que no sólo se les llaman pinturas blancas, eso es simplemente lo que son, pinturas blancas. Se pintaron con un rodillo y ya. No tienen imagen, no tienen mensaje, no tienen técnica, no tienen intención, ni sentimiento.
(aunque luego alguien dijo que son aeropuertos para luz, partículas y sombras. Mirarlas te invita a mirar a tu alrededor.
Minimalismo de Donald Judd
Las esculturas de Judd se construyen a partir de formas geométricas simples y carecen de contenido representativo. Judd afirmaba que sus obras no eran sobre nada y no requerían interpretación. Por ejemplo, sus series de cubos y rectángulos en metal o plexiglás están diseñadas para que se experimenten visualmente sin requerir un “significado” o una “narrativa” externa.
Agnes Martin – Obras abstractas como Untitled #5 (1998)
Martin, una pintora abstraca, creó pinturas que consisten en líneas sutiles y patrones repetitivos sin ningún significado explícito o contenido interpretativo. Ella creía que el arte podía comunicar una experiencia estética o una sensación de paz sin tener que ser sobre algo. Su obra no busca interpretaciones profundas, sino que existe como una forma de meditación visual pura.
Sin embargo, el neorepresentacionalista diría que las obras de arte que intentan demostrar que el arte es igual a las cosas reales, en realidad, confirman la tesis del neo-representacionalismo. Esto se debe a que estas obras tienen contenido semántico y están hablando sobre algo, específicamente sobre la naturaleza del arte.
Por ejemplo, en el caso de Roschenberg, alguien dijo que su obra era un aeropuerto para las sombras, líneas, y todo lo que no está ahí. O algo así. O Roschenberg mismo dijo que sus pinturas eran una invitación a reflexionar sobre los límites del arte.
O en el caso de John Cage, el silencio también era una invitación a apreciar otro contenido, el del rededor, no es que no tuviera contenido que no pudiera interpretarse.
El neorepresentacionalista diría que un artista no puede crear una obra de arte que sea simplemente una cosa real, una cosa en bruto que no pueda interpretarse, ya que al intentar comunicar un punto o idea, la obra ya tiene contenido semántico y requiere interpretación.
Pros del neorepresentacionalismo
Entonces, el neo-representacionalismo puede explicar casos que no puede explicar la teoría mimética ni la teoría representacionalista. Casos como los del arte moderno donde incluso se cuestiona la interpretación, ya que incluso al intentar resistir la interpretación, estas obras están comunicando un punto o idea y, por lo tanto, tienen contenido semántico.
También, a diferencia del representacionalismo la teoría mimética, puede explicar el arte abstracto. Además, puede aplicarsea otras formas de arte, como la música y la arquitectura, que no necesariamente representan algo, pero que podría defenderse que tienen contenido expresivo y semántico, que puede interpetarse..
Por ejemplo, se podría decir que incluso explicaría las decoraciones abstractas de culturas remotas, que pueden tener significado religioso o ritual en su contexto histórico.
Por lo tanto, el neo-representacionalismo parece una teoría poderosa: cubre más terreno que las teorías de la imitación y la representación. Es menos exclusiva y más comprehensiva que otras teorías.
4.1 Contra Neorepresentacionalismo
Sin embargo, hay razones para pensar que el neo-representacionalismo no es lo suficientemente comprehensivo. La forma en que contesta algunos contraejemplos, como la música orquestal pura y la arquitectura no representacional, es cuestionable.
El neo-representacionalismo sugiere que la posesión de propiedades, como la tristeza o la rojez, es suficiente para que una obra de arte sea sobre algo. Sin embargo, esto parece forzado. La posesión de una propiedad no necesariamente implica que la obra de arte esté hablando sobre esa propiedad.
La necesidad de más que la mera posesión de propiedades
Para que una obra de arte sea sobre algo, se requiere más que la mera posesión de propiedades. La obra de arte debe decir algo sobre la propiedad, no sólo poseerla.
La insuficiencia de la interpretación en la música y la arquitectura
La mera posesión de propiedades, como la tristeza o la velocidad, no es suficiente para que una obra de arte sea sobre algo. La obra de arte debe decir algo sobre la propiedad, no solo poseerla.
La necesidad de más que la mera posesión de propiedades
Para que una obra de arte sea sobre algo, se requiere más que la mera posesión de propiedades. La obra de arte debe tener un nivel de articulación que llame la atención sobre la propiedad y haga algún comentario o punto sobre ella.
La existencia de obras de arte que no requieren interpretación
Algunas obras de arte, como la música orquestal pura y la arquitectura no representacional, pueden no requerir interpretación porque no están hablando sobre nada. Solo poseen propiedades, como la tristeza o la velocidad, pero no están diciendo nada sobre ellas.
La problemática del enfoque del neo-representacionalismo
El enfoque del neo-representacionalismo para manejar casos de arte decorativo puede ser problemático. Aunque algunas obras de arte decorativo pueden tener significado simbólico o religioso, otras pueden ser simplemente bellas y no requerir interpretación.
La existencia de obras de arte que no son sobre nada
Algunas obras de arte, como la música o la arquitectura decorativa, pueden ser simplemente bellas y no requerir interpretación. No están hablando sobre nada, solo están siendo bellas y estimulantes. Esto significa que hay obras de arte que no son sobre nada.
La frecuencia de casos de arte puro
Los casos de arte puro, como la decoración, no son excepciones aisladas. Hay una gran cantidad de arte de este tipo, y también hay una gran cantidad de arquitectura y música que, aunque pueden tener propiedades expresivas y belleza, no están hablando sobre nada.
La insuficiencia del neo-representacionalismo
El neo-representacionalismo no puede acomodar todos estos casos de arte, a pesar de ser más comprehensivo que la teoría de la imitación y la teoría representacional del arte. Todavía hay una gran cantidad de arte que no se ajusta a esta teoría.
La búsqueda de una teoría más comprehensiva
Ninguna de las teorías de este grupo (imitación, representación, neo-representacionalismo) es satisfactoria como una teoría filosófica general del arte. Es necesario seguir buscando una teoría que sea lo suficientemente comprehensiva para abarcar todos los tipos de arte.
La complejidad del arte
El arte es un fenómeno complejo y diverso, y no puede ser reducido a una sola teoría o definición. Es necesario considerar la variedad de formas y funciones del arte para desarrollar una teoría que sea lo suficientemente amplia y flexible para abarcar todos los casos.
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